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Damien Hirst: Repulsivo y fascinante, todo en la misma urna

La Galería Hilario Galguera expone en México a partir de este viernes la polémica pieza “A Hundred Years” del artista británico llamado el “bad boy” del arte contemporáneo, dentro de una exhibición de 25 piezas que organiza paralelamente a la retrospectiva que le dedica el Museo Jumex.

La polémica “A Hundred Years” se presenta por primera vez en México. Foto EE: Rosario Servin

miércoles 03 de abril de 2024 - 21:33

En el libro Defining Contemporary Art––25 Years in 200 Pivotal Artworks (2011), un compilado de textos de críticos de arte y curadores que recorren 25 años de creación artística contemporánea a través de 200 obras clave, el suizo Hans Ulrich Obrist escribe sobre la ocasión en que, en 1990, el célebre pintor Francis Bacon, entonces con 81 años, quedó absorto por la provocación y el poder de la obra de un tal Damien Hirst (Bristol, 1965).

En aquel texto, Obrist cuenta que Hirst, quien por esos años comenzó a ser llamado el “bad boy” del arte contemporáneo, recibió una llamada de la galería que albergaba la exposición en Londres para comunicarle que Bacon, artista de su devoción, permaneció parado por más de una hora frente a una de esas piezas, totalmente hipnotizado por lo que estaba presenciando.

La obra en cuestión es “A Thousand Years” que, junto con su gemela, “A Hundred Years”, son consideradas ejecuciones seminales del artista de Bristol y también dos de las más polémicas y criticadas de su ya de por sí provocador cuerpo de obra.

Se trata de dos obras similares en las que Hirst hizo construir una urna de vidrio con dos compartimentos. En uno colocó una especie de criadero de larvas de moscas con la intención de que éstas llegaran a la madurez. En el otro compartimento colocó la cabeza de una res, con el objetivo de que las moscas, una vez desarrolladas, pudieran alimentarse. Sin embargo, también ordenó instalar una celda electrificada entre ambos compartimentos, de tal manera que, gradualmente, las moscas cayeran fulminadas.

Un momento polémico de “A Hundred Years” sucedió recientemente, en 2022, cuando la instalación fue desmantelada del Kunstmuseum Wolfsburg, en Alemania, como respuesta a una serie de manifestaciones de activistas de la organización PETA, quienes argumentaron que “matar animales no tiene nada que ver con el arte, esto solamente exhibe la arrogancia de quienes literalmente se aprovechan de los cadáveres para sus propios intereses”.

"A hundred years" in México

La pieza mencionada está en México. Es parte de la muestra Damien Hirst: New Spot Paintings and A Hundred Years, que abre este viernes al público en la Galería Hilario Galguera, de manera paralela a la gran retrospectiva que el Museo Jumex dedica al artista.

En la Hilario Galguera hay 25 obras en exhibición: 23 cuadros de reciente manufactura de la serie “Spot paintings”, que abrazan dos instalaciones más: “I Want to Spend the Rest of My Life Everywhere, with Everyone, One to One, Always, Forever, Now” (1991), que muestra una pelota de ping-pong flotante sostenida por una compresora de aire, y la mencionada “A Hundred Years”.

Este miércoles, en el recorrido previo a la apertura al público, el galerista Hilario Galguera retomó la anécdota sobre Francis Bacon y agregó que, después de permanecer hipnotizado por la pieza de Hirst, el pintor dijo: “’éste es el futuro del arte’ (…) de alguna manera ésa fue la estafeta que dio este gran creador del siglo XX a Damien Hirst”.

Galguera detalló que la instalación “A Hundred Years” es una obra seminal de Hirst, y agregó que se trata de “la pieza más importante de uno de los artistas más complejos que ha habido en el siglo XX y lo que va del siglo XXI”.

Horror y estupefacción, curiosidad y asombro. Eso provoca la pieza en cuestión. No deja a nadie indiferente. Provoca preguntas, muchas preguntas, por ejemplo, sobre lo que sucederá con el proceso de descomposición de la materia orgánica con el paso de los días.

¿La verdadera obra es el objeto o es la idea?

“La obra es el concepto y lo que se ve”, respondió Hilario Galguera. Es decir, detalló, el objeto exhibido si bien requiere de un mantenimiento mayor, no es un objeto imperecedero y, por lo tanto, debe haber una reposición de los elementos orgánicos.

“La obra debe estar en manos de una colección importantísima y, en ese sentido, el propietario de esa colección, que puede ser pública o privada, tiene la responsabilidad de mantenerla vigente, que es lo mismo que hacen todos los museos”, declaró y, a partir de otros ejemplos de obras similares, explicó que el corazón de la obra, su razón de ser, se encuentra en los certificados, las instrucciones de instalación y las especificaciones de sus materiales, todos documentos firmados por el artista, con su número de catálogo. “Ésa es la verdadera pieza. Por eso se llama arte conceptual”.

Argumentó que varias de las obras de Damien Hirst con estas características, como también lo son los estanques donde se preservan animales en formaldehído, “son otra forma de comprender el arte. No se trata de ver necesariamente la mano del artista sobre la obra. Y esto sucede desde la Edad Media, cuando los artistas empezaron a tener ayudantes, por la carga de trabajo. Y los ayudantes eran los que, bajo la dirección del artista, pintaban algunos detalles para que después el artista fuera colocando otros elementos”.

“Por ejemplo, el pintor barroco Rubens llegó a tener hasta 30 ayudantes. Hay pinturas que posiblemente él nunca tocó. ¿Qué es lo que se quiere? ¿Tener la obra como una cuestión fetichista y decir: aquí puso la mano Rubens o decir: esta pieza la pensó Rubens?”, concluyó.